El arte como expresión social, cultural y política

Dentro de la coyuntura actual mundial frente al racismo y la discriminación en pleno siglo XXI, se es muy difícil no articular dicha temática con diferentes mecanismos de expresión históricos como lo ha sido por ejemplo el arte desde su diversidad y multiplicidad. El arte se ha encargado en muchas circunstancias, de alzar la voz frente a la opresión, la discriminación e injusticia, como un mecanismo de denuncia y de protesta, tanto a nivel social, como cultural y político y ha llegado a enfatizarse como un espejo del contexto de cada artista. Es por lo que hoy frente al golpe emocional de las actuales circunstancias he decidido traer 5 obras de 5 diferentes artistas que enmarcaron la lucha, su propia lucha, dentro de los contextos en los cuales se desarrollaron. Los invito a conocerlas, apreciarlas y reflexionar en torno a ellas.

Siete xilografías sobre la guerra de Käthe Kollwitz (1920 - 1925)

Käthe Kollwitz fue una artista y pacifista alemana de finales del siglo XIX y primera mitad del siglo XX, cuya obra resaltó y manifestó su lucha contra las consecuencias emocionales de la violencia en las guerras, la muerte y la perdida de su propio hijo en la primera guerra mundial. Tuvo que enfrentar las dos guerras mundiales y el hostigamiento nazi durante el régimen de Hitler, murió finalmente en 1945. Sus diferentes exposiciones resaltaron la pobreza, el dolor, la muerte, la angustia, la clase trabajadora y la vida de las mujeres comunes y corrientes.

Una de sus obras mas representativas es Siete xilografías sobre la guerra, desarrolladas durante 1920 a 1925, cuya temática se centraba en la angustia de la primera guerra mundial, la crueldad y sus estragos en la humanidad, mostraba no solo un contexto bélico, sino que se interesa más en mostrar las respuestas emocionales de los civiles, como padres, esposas e hijos. Es así como vemos representada en El sacrificio una madre ofreciendo a su propio bebé ante la causa, en La viuda I una mujer embarazada abrazada con la angustia, en La viuda II una mujer y su bebé yaciendo en el suelo muertos de hambre, En los voluntarios, único grabado que muestra directamente los combatientes, refleja su hijo Peter tomando su lugar a lado de la muerte junto a otros jóvenes, y En las madres, El pueblo y Madre con su hijo podemos apreciar la angustia y el dolor que traían consigo las guerras y que tantas veces enfrento la propia artista.

Serie de migraciones de Jacob Lawrence (1940 – 1941)

Jacob Lawrence, artista, pintor y maestro estadounidense, expresionista y catalogado por si mismo como “cubista dinámico” desarrollo gran parte de su trabajo enfocado en la lucha de los afroamericanos.

En 1940 y 1941 desarrollo una de sus obras mas reconocidas Serie de migraciones, 60 paneles de pinturas narrativas que describe la gran migración de afroamericanos del sur rural al norte urbano durante la primera guerra mundial (1915 – 1930), son diversas ilustraciones modernistas de la vida cotidiana, narraciones de su historia, figuras afroamericanas representativas, son sin duda, un gran tejido social, económico, político y cultural de la sociedad estadounidense de la época. Dejo en este post algunas de las series más icónicas.

Muerte (Series de americanos #20) de Faith Ringgold (1967)

Faith Ringgold es una pintora, escritora, activista y maestra estadounidense nacida en 1930, quien creció en la época de la gran depresión y el auge de la discriminación y racismo estadounidense.

En 1967 desarrolla una de sus obras mas importantes Serie de americanos, y dentro de ella #20 Muerte, un gran óleo de escala mural de 182,9 cm x 365,8 cm, que nos muestra el estilo de vida americano durante el movimiento de los derechos civiles en estados unidos mediante interacciones raciales, disturbios, lucha de clases, racismo, violencia y muerte. Inspirada en Guernica de Pablo Picasso, podemos apreciar que su distribución y fondo es similar al representado por la obra del artista, al mismo tiempo que la importancia de representar un suceso histórico, en cierta forma bélico también, pero sobre todo de protesta ante la injusticia, desigualdad y sufrimiento. Podemos apreciar sangre salpicando toda la comunidad representando que nadie, absolutamente nadie, ni negros ni blancos están libres de esa lucha, en el centro podemos apreciar dos niños interraciales abrazados, como símbolo del miedo al futuro.

Zócalo de la comedia y zócalo de la tragedia de Beatriz González (1983)

Beatriz González, artista colombiana, dedicada al dibujo, el gráfico y la escultura en torno a temáticas históricas y culturales de Colombia, represento en 1983 dos series relacionadas Zócalo de la comedia y zócalo de la tragedia, realizadas en colaboración con un popular taller de impresión y originalmente distribuidos en Bogotá, pero rápidamente censurados por el gobierno de turno.

Su finalidad fue representar los dos polos en los que se encontraba el país, la tragedia y la comedia. Para la tragedia desarrollo su trabajo sobre una fotografía de la noticia de un crimen pasional hacia una mujer y el suicidio del agresor, y para la comedia represento al expresidente Turbay otorgando una medalla de honor a un diplomático, el presidente de Ecuador, como una burla hacia la política, el poder “la violencia y la decoración de la nación”. Evidentemente podemos notar por qué fue censurada en su momento.

Amantes perfectos de Félix González Torres (1991)

Y finalmente he traído a Félix González Torres, artista estadounidense de origen cubano, artista conceptual, quien en su obra Amantes perfectos quiso desarrollar una experiencia que desafiara el intelecto del espectador, una metáfora a dos amantes cuyos corazones palpitan en sincronía perfecta pero no permanente y que en algún momento de desacoplan, uno de detiene y el otro continua su camino solo.

Muchas de sus obras fueron homenajes a su pareja Ross Laycock, quien falleció de SIDA en 1991, al igual que el artista en 1996. Amantes perfectos frente a su sutileza, genera poder y sentimiento frente a la crisis del SIDA y la discriminación a la homosexualidad de los años 90´.

Félix quiso dejar plasmado su amor hacia su pareja y su lucha constante frente a la enfermedad, en una carta escrita a Ross podemos apreciar el significado de su obra: “No tengas miedo de los relojes, es nuestro tiempo, el tiempo ha sido tan generoso con nosotros. Imprimimos el tiempo con el dulce sabor de la victoria. Hemos conquistado el destino al encontrarnos a una cierta hora en un cierto espacio, por lo tanto, devolvamos el crédito donde se debe: el tiempo. Estamos sincronizados, ahora y siempre, te amo”.